40 Bài Hát Rock Acoustic Hay Nhất Mọi Thời Đại

Thông thường, mọi thứ bắt đầu bằng một tia sáng cảm hứng, một cây đàn acoustic sáu dây khiêm tốn trong một góc, và một buổi trò chuyện thân mật kết nối tâm trí, trái tim và tâm hồn với một điều gì đó đẹp đẽ và hấp dẫn. Cũng giống như trường hợp của Bob Dylan, có lẽ là ví dụ điển hình nhất về một người đã định hình âm nhạc và nhạc rock thông qua nhạc dân gian, và gỗ và dây đàn giản dị. Hoặc Kurt Cobain đã dành một thời gian nghỉ ngơi ẩn dật để viết hầu hết các bài hát của Nevermind trên một cây đàn acoustic bị hỏng ở Aberdeen. Trước khi các bản phối, lớp, tiếng vang hoặc quá tải xuất hiện, hầu hết thời gian, mọi thứ bắt đầu bằng một cú nhấp không cắm điện vào một cây đàn sáu dây, piano hoặc bass trên ghế dài, và đó là một cảm giác kỳ diệu mà cả những nghệ sĩ đã tận tụy và những nghệ sĩ mới nổi đều biết thông qua kinh nghiệm tuyệt đối.

Đàn guitar acoustic thường là bước đệm đầu tiên cho các nhạc sĩ, và đối với các nghệ sĩ guitar, nó thể hiện phiên bản rõ ràng nhất và bài tập đầu tiên về sự sáng tạo và kỹ năng. Có một câu tục ngữ phổ biến trong số một số nghệ sĩ guitar, đó là "bất cứ điều gì bạn có thể làm trên đàn điện, bạn có thể làm tốt hơn trên đàn acoustic" và các bài hát trong danh sách này chứng minh cho điều đó. Bản chất acoustic cho phép một bản chất thực sự, được lột bỏ khỏi da và xương, cho một bài hát. Nó tăng cường sự kết nối và cảm xúc vốn có của tác giả với tác phẩm của mình, cảm giác rung động phổ quát của tâm hồn hơn là sự điêu luyện.

Hãy cùng Mai Nguyên Music, tìm hiểu về những bài hát huyền thoại dưới đây nhé.

Đây là những bài hát Rock Acoustic hay nhất mọi thời đại

40. The Joker của Steve Miller Band

Album: The Joker

Ngày phát hành: 20 tháng 10 năm 1973

Được truyền cảm hứng sau khi Steve Miller nghe The Letter của The Medallions và Lovey Dovey của The Clovers, Joker kinh điển này, đi trước thời đại nhưng vẫn gần gũi, đã trở thành một bản hit ngay lập tức và là một trong những giai điệu radio được phát nhiều nhất trong những năm 70. Tràn ngập những tham chiếu theo nghĩa đen và âm nhạc, nhiều người khẳng định đây là bài hát đốt lửa trại tuyệt đỉnh, một bài hát đã lan tỏa khắp những năm 70 với một sắc thái đặc biệt tương phản mạnh mẽ với sự thống trị của các ban nhạc rock sân vận động lớn và các nghệ sĩ tài năng. "Thông minh và quyến rũ như một cậu học sinh" như được mô tả bởi Rolling Stone The Joker đã đánh dấu một bước ngoặt cho sự nghiệp của Miller, pha trộn giữa nhạc blues đặc trưng của anh, nguồn gốc dân gian với một liều lượng vừa phải của nhạc ảo giác và nhạc pop tươi sáng.

Joker ngốc nghếch đã làm nhiều hơn là đưa Steve Miller lên bản đồ chính thống, nhưng nó cũng mang lại cho anh ấy một vị trí số 1 trên Bảng xếp hạng đĩa đơn của Anh và đưa anh ấy lên vị trí số 40 trên Bảng xếp hạng Billboard Hot 100, kể từ khi phát hành, giai điệu đã thay đổi vị trí trên Bảng xếp hạng mọi thời đại. Giai điệu khoa trương này cũng đã trở thành một yếu tố chính của văn hóa nhạc pop, từ quảng cáo Levi's đến Chương trình truyền hình và một tính năng lễ hội thường xuyên, bài hát thoải mái hơn thời gian này chắc chắn sẽ vẫn có liên quan trong nhiều thế hệ sắp tới

39. Wonderwall của Oasis

Album: (What's the Story) Morning Glory?

Ngày phát hành: 30 tháng 10 năm 1995

Thường được coi là bài hát pop rock hay nhất kể từ Let it Be của The Beatles, Wonderwall đã trở thành ca khúc đặc trưng cho Britpop Colossus Oasis. Mặc dù được sáng tác bởi Noel Gallagher, người anh trai Liam của anh đã chiếm hết sự chú ý để đánh cắp chương trình, với sự ra mắt quốc tế và bản hit đình đám của thập niên 90, một bản hit đã đưa họ vào hành trình phá vỡ nước Mỹ mang đậm chất Anh. Bản nhạc tương đối đơn giản, và nội dung ca từ đầy cảm xúc, sâu lắng về một người bạn hư cấu có thể cứu rỗi tất cả chúng ta, đã đồng cảm với vô số người hâm mộ không thể không hát theo khi bản ballad này phát ra từ radio, do đó khiến nó trở thành một bài hát cổ vũ và tiêu chuẩn trên sân vận động.

Đạt đến vị trí số 1 trên bảng xếp hạng American Modern Rock Tracks và vị trí số 2 tại cả Ireland và Vương quốc Anh, Wonderwall đã một mình quảng bá cho lần thu âm thứ hai vào năm 1995 của họ, (What's the Story), Morning Glory? Trong số những giải thưởng khác, giai điệu acoustic này đã để lại một tiêu chuẩn to lớn để các ban nhạc Anh trong tương lai noi theo, nhưng nó cũng chứng minh được một đoạn nhạc dạo đầu acoustic đơn giản và được đặt ở vị trí tuyệt vời có thể đạt được những gì.

38. The Only Exception của Paramore

Album: Brand New Eyes

Ngày phát hành: 17 tháng 2 năm 2010.

Feathery light, The Only Exception của ban nhạc Punk Pop, Paramore. Với năng lượng thường thấy và các bản nhạc điện tử, giai điệu acoustic này cho thấy sự thay đổi âm thanh trong ban nhạc, khi họ chuyển sang một cuộc khám phá chậm hơn, nhẹ nhàng hơn và thiên về Dân ca hơn, một cuộc khám phá được khán giả của họ đón nhận nồng nhiệt. Đạt vị trí số 12 trên Billboard Hot 100 và 31 trên Bảng xếp hạng đĩa đơn của Vương quốc Anh, nó vẫn không thay đổi trong hơn hai mươi tuần, trở thành chứng nhận Vàng. Bản nhạc acoustic đã trở thành bản hit thành công nhất về mặt thương mại của Paramore tại thời điểm phát hành, mang về cho ban nhạc một Đề cử Grammy. Bài hát đã nhận được sự hoan nghênh chung của giới phê bình, với hầu hết những lời khen ngợi xoay quanh giọng hát hòa âm của ca sĩ Hayley Williams kết hợp với cây đàn guitar acoustic.

Một bản ballad nhẹ nhàng, Williams mô tả đĩa đơn này là "bài hát tình yêu đầu tiên tôi từng viết. Và ngay cả khi tôi đã từng thử trong quá khứ, đây là bài hát đầu tiên mà tôi thực sự tự hào. Tôi thích rằng tôi có thể thể hiện sự thật rằng tôi luôn thực sự sợ tình yêu, và đôi khi tôi vẫn vậy, nhưng sự phấn khích và hy vọng rằng tình yêu tồn tại vẫn rất rõ ràng trong lời bài hát", nêu rõ ý nghĩa đằng sau lời bài hát một cách hoàn hảo. Được chế tác đẹp mắt, The Only Exception là một trong những nỗ lực tuyệt vời nhất của Paramore, một bản nhạc u sầu và chân thực đóng vai trò là một ca khúc dễ bị tổn thương và đầy hy vọng, một trong những ca khúc nổi bật nhất trong những năm gần đây.

37. Yellow của Coldplay

Album: Parachutes

Ngày phát hành: 26 tháng 6 năm 2000

Một bài thánh ca của những năm 2000, bản hit đình đám của Coldplay này đã trở thành ca khúc lãng mạn của đầu thiên niên kỷ. Với phần mở đầu acoustic mang tính biểu tượng với phần hòa âm điện tử bùng nổ, Yellow đã trở thành một bản hit ngay lập tức, mang đến cho ban nhạc Anh biểu tượng này hương vị đầu tiên của ánh đèn sân khấu. Được truyền cảm hứng từ một đêm đầy sao, ca sĩ chính kiêm nhạc sĩ Chris Martin đã bắt tay vào sáng tác ngay lập tức và nghĩ ra câu hát nổi tiếng; "Hãy nhìn những vì sao, hãy nhìn cách chúng tỏa sáng vì bạn", mang đến một góc nhìn mơ mộng cho một trong những bản hit nhạc pop đáng chú ý nhất trong vài thập kỷ qua. Yellow đã chạm đến trái tim của vô số người hâm mộ, tuyệt vọng thăm dò sự lãng mạn bên trong họ.

Đạt đến vị trí số 48 tại Billboard 100 và số 4 tại UK Singles, đĩa đơn chủ lực này đã đạt được thành công thương mại và phê bình ngay lập tức, với Tạp chí Rolling Stone mô tả nó là "lãng mạn không hối hận". Bản ballad rock này mô tả màu sắc tiêu đề là một cảm giác hơn là một ý nghĩa, dẫn đến một số người hâm mộ âm mưu giải thích về Yellow, một số người coi đó là một căn bệnh, trong khi những người khác cho rằng nó có thể là về việc cố gắng thoát khỏi cảm giác buồn bã và bước vào một khía cạnh vui vẻ hơn, một khía cạnh màu vàng. Dù trường hợp nào có thể xảy ra, bạn chỉ đơn giản là không thể có đủ bài hát đầy màu sắc này.

36. Free Falling của John Mayer (Tom Petty)

Album: Where The Light Is: John Mayer Live In Los Angeles

Ngày phát hành: 28 tháng 6 năm 2008

Ca khúc đặc trưng của Tom Petty and the Heartbreakers này không chỉ là một bản nhạc rock kinh điển được yêu thích mà còn được coi là một trong những bài hát hay nhất của thế kỷ 20. Nhưng quay trở lại năm 2008 khi John Mayer thực hiện ca khúc này, anh đã mang đến một cách tiếp cận chậm rãi, xây dựng đã thu hút cả một thế hệ vào bản trình bày tuyệt đẹp này của Free Falling. Như thể sự tăng dần kịch tính của Mayer là chưa đủ, sự kết hợp tuyệt vời giữa giọng hát đệm và giọng hát đầy cảm xúc của anh có khả năng khiến bất kỳ ai cũng phải rơi nước mắt.

Là một nhạc rock chủ đạo của Heartland, Free Fallin của Heartbreakers, giai điệu này đạt vị trí thứ 7 trên Billboard Hot 100, trong khi được vô số nghệ sĩ ca ngợi là một sự tôn vinh, nó được coi là một trong những Bài hát vĩ đại nhất mọi thời đại của Tạp chí Rolling Stone. Tuy nhiên, Mayer đã làm sống lại sự hiện diện của nhạc pop trong bản hit Full Moon Fever năm 1989 này, khi anh ấy giới thiệu nó trong buổi hòa nhạc Where the Light Is của mình, thổi một làn gió mới vào giai điệu luôn trường tồn này.

35. Skinny Love của Bon Iver

Album: For Emma, Forever Ago

Ngày phát hành: 8 tháng 7 năm 2007

Một ca khúc như một cú đấm vào bụng, Skinny Love của Bon Iver chậm rãi, bản chất hấp dẫn và gần như đắm chìm của nó là một nơi ẩn náu an toàn về âm thanh đóng vai trò như một chuyến đi đầy cảm xúc ám ảnh. Được thu âm trong một cabin biệt lập ở Wisconsin, ca sĩ Justin Vernon đã trút hết trái tim và tâm hồn đầy cảm xúc của mình vào bút và giấy, sau đó chuyển chúng thành bản thu âm chia tay khét tiếng, For Emma, Forever Ago. Skinny Love, ca khúc thành công nhất của album đã trở thành chủ đề của nhiều phiên bản và được sử dụng như một phần bổ sung chân thành cho nhiều nhạc phim và truyền hình, làm tăng thêm sự phổ biến của bài hát.

Đóng gói hình ảnh trữ tình có thể gây được tiếng vang với bất kỳ ai có trái tim, Vernon đã thể hiện một cách xuất sắc mong muốn của mình về tình yêu hời hợt - mỏng manh - của mình để kéo dài lâu hơn bình thường. Bài hát này không chỉ là tiếng kêu chiến đấu cho sự tan vỡ trái tim, mà còn có thể là một lời cảnh tỉnh tàn khốc, khi nam ca sĩ đặt câu hỏi về khoản đầu tư của người tình cũ, tự hỏi liệu tất cả có phải là một trò lừa bịp hay không. Một bài hát chia tay, một ca khúc đau đớn và là người bạn đồng hành trong những thời điểm khó khăn, Skinny Love đã trở thành một bài thánh ca cho những người tan vỡ trái tim kể từ khi phát hành, đánh dấu một trong những bản ballad acoustic mang tính biểu tượng nhất của những năm 2000.

34. Martha Sways của Andy Shauf

Album: The Party

Ngày phát hành: 20 tháng 5 năm 2016

Bài hát kết thúc nổi bật từ album đầu tay của Andy Shauf và Rock Opera, Martha Sways mang đến một kết thúc khá yên bình cho cốt truyện hỗn loạn, thêm một giai điệu nhẹ nhàng hơn vào những mặt ảm đạm của bản thu âm. Với cốt truyện xoay quanh một bữa tiệc, album trình bày nhiều kịch bản khác nhau xảy ra tại các sự kiện đó, bao gồm sự từ chối, những cuộc trò chuyện ngượng ngùng, sự không chung thủy và những sự cố đáng tiếc. Mặc dù vậy, Martha Sways mang đến cho người nghe cảm giác nhẹ nhõm xứng đáng với bản chất thanh thoát, an ủi của nó khi người kể chuyện đung đưa theo một cô gái mới bí ẩn, Martha, người khiến anh nhớ đến người yêu cũ của mình. Lời bài hát vô tư lự của bài hát tạo cảm giác như thể chúng ta đang trải nghiệm chúng khi cặp đôi đang tham gia vào một điệu nhảy quyến rũ.

Tài năng kể chuyện và ghi chép lại loại tiệc tùng mà người ta có xu hướng nán lại của Shauf đặt bạn vào vị trí là người tham dự im lặng trong nhiệm kỳ 10 ca khúc này, nhưng không có giai điệu nào khác trong The Party mang lại trải nghiệm thân mật như vậy giữa các nhân vật. Đóng gói giọng hát thôi miên của Shauf và sự đơn giản của nhạc cụ, giai điệu cuốn hút người nghe vào cốt truyện, gần như bao trùm họ vào âm nhạc. Với một kết thúc để lại chỗ cho một khởi đầu mới đầy triển vọng, tác phẩm phản chiếu, đôi khi làm tan nát trái tim, đánh như một tấn gạch.

33. Road Trippin' của Red Hot Chili Peppers

Album: Californication

Ngày phát hành: 18 tháng 11 năm 2000.

Road Trippin' của Red Hot Chili Peppers giới thiệu đến khán giả một khía cạnh chậm rãi, thoải mái và pha chút chất gây ảo giác của ban nhạc, một khía cạnh tạo nên sự tương phản đáng hoan nghênh với những ca khúc thường tràn đầy năng lượng và nhịp độ nhanh của họ. Một giai điệu không có tay trống, đĩa đơn Californication thêm vào một lớp gió và ánh nắng mà chỉ Chili Peppers mới có thể đạt được. Mặc dù không lọt vào Billboards, nhưng viên ngọc acoustic này không hề bị bỏ qua, đạt vị trí thứ 30 tại UK Singles và thường được ca ngợi là một trong những bài hát hay nhất của ban nhạc. Là giai điệu kết thúc hoàn hảo cho album, Road Trippin' đã kết hợp hoàn hảo với Californication.

Hát về câu chuyện của một chuyến đi thực tế do Kiedis, Flea và Frusciante thực hiện, ba thành viên sống lại trải nghiệm đó qua bài hát, tạo nên mối liên kết sâu sắc hơn giữa bộ ba vốn đã thân thiết. Một trong số ít - nếu không muốn nói là duy nhất - những bản ballad acoustic của Red Hot Chili Peppers, sự thay đổi nhịp độ đột ngột chỉ chứng minh thêm sự đa dạng vô cùng của âm thanh của họ. Chậm rãi, thư giãn và với việc sử dụng đàn violin một cách đáng ngạc nhiên, cảm giác mát mẻ và êm dịu của Road Trippin mang đến cảm giác ớn lạnh khá được chào đón.

32. No Excuses của Alice in Chains

Album: Jar of Flies

Ngày phát hành: 25 tháng 1 năm 1994

Năm 1994, Alice in Chains đã đưa ra một tuyên bố rất rõ ràng rằng không đẩy lùi ranh giới của nhạc grunge nói chung, nhưng Alice cũng mang đến một màu sắc quyến rũ mới cho bảng màu của họ với sự ra đi được đánh dấu bằng EP thứ ba Jar of Flies. Ở vị trí trung tâm, No Excuses đã mang đến một đoạn riff acoustic gảy đàn quyến rũ và có phần nâng cao, với sự sắp xếp điện hoàn hảo thường được ghi nhận là đã mang âm thanh alternative của Mỹ đến Anh. Với nhịp độ dễ chịu trong bài hát và một No Excuses đẹp nhưng u ám có bản chất hy vọng, thanh thoát và nhẹ nhàng trong âm thanh của nó, với một hào quang thực tế gõ ngón chân vào âm thanh vang vọng toàn diện như một hẻm núi.

No Excuses đánh dấu lần đầu tiên Alice in Chains đạt được thành công vang dội khi ra mắt ở vị trí số 1 trên Bảng xếp hạng nhạc Rock chính thống của Billboard, nơi nó đã trụ vững trong 26 tuần liên tiếp. Nó cũng vẫn là một phần không thể thiếu trong các buổi hòa nhạc của ban nhạc và đã được đưa vào một số album tổng hợp ngoài việc là một trong những ca khúc được trình diễn đáng nhớ nhất trên MTV Unplugged. Nhiều nhà phê bình đã gọi ca khúc này là một trong những bước ngoặt của nhạc grunge, khi phát hành vào năm 1994, vô số người hâm mộ đã chuyển sang ca khúc này sau khi Kurt Cobain qua đời và sự thay đổi theo mùa sau đó của thể loại phụ này như một thế lực thống trị.

31. Song for Janie by Tim Buckley

Album: Tim Buckley

Ngày phát hành: Tháng 10 năm 1966

Kể từ khi ra mắt vào năm 1966, Tim Buckley đã vẽ nên một khối lượng tác phẩm phiêu lưu tiên phong trong suốt cuộc đời và thành công ngắn ngủi của mình, từ nhạc psychedelic, nhạc dân gian, đến nhạc rock có dàn nhạc. Âm vực đa quãng tám mạnh mẽ của ông thật đáng kinh ngạc trong mỗi bản nhạc nổi bật và có thể được coi là vũ khí không quá bí mật của ông, đặc biệt là trong tác phẩm tinh túy này của ông, Song for Janie. Một kiệt tác vui nhộn, đi trước thời đại có thể dễ dàng trở thành một trong những nguồn cảm hứng được ghi âm đầu tiên cho Britpop, 20 năm trước bản phát hành này cho album cha đẻ cùng tên của ông, Tim Buckley.

Được phối hợp với tiếng guitar điện rò rỉ và sắp xếp và piano với acoustic ở chính xương sống của giai điệu này, giọng hát đáng kinh ngạc của Buckley chuyển từ giọng falsetto lên đến đỉnh điểm và giọng mezzo thấp hơn, khiến ca khúc thử nghiệm năm 1966 này trở thành một ca khúc độc nhất vô nhị. Mặc dù bị lu mờ bởi những hành động thách thức thập kỷ khác và sự ra đời bùng nổ của Rock N' Roll, tác phẩm đầu tay của Buckley vẫn là một viên ngọc quý và nền tảng cho lịch sử âm nhạc, một di sản sẽ được những người thân của ông tiếp nối sau đó vài thập kỷ.

30. Everlong (acoustic) của Foo Fighters

Album: Skin and Bones

Ngày phát hành: 7 tháng 11 năm 2006

David Letterman đã đặt tên cho bản trình diễn acoustic này của Foo Fighters là "bài hát yêu thích nhất từ trước đến nay" của ông sau màn trình diễn ngẫu hứng của Dave Grohl trên chương trình phát thanh của Howard Stern, và thật khó để không đồng ý. Everlong là một trong những bài thánh ca nâng cao tinh thần thế hệ không thể tranh cãi nhất trong những thập kỷ gần đây, và khi album acoustic trực tiếp Skin and Bones được ra mắt, tác phẩm trung tâm này khó có thể bị bỏ qua. Được xây dựng xung quanh một bản điều chỉnh drop-D tiêu chuẩn cổ điển của Foo Fighters, Everlong đã tìm thấy sức sống mới, khi Grohl dồn hết tâm hồn và trái tim vào màn trình diễn và cách truyền tải mang tính biểu tượng này khiến hàng triệu người hâm mộ phải rùng mình, khiến bạn không thể bỏ qua khi bạn xem xét những bài hát rock acoustic hay nhất từng được biểu diễn.

Kể từ khi phiên bản acoustic này được giới phê bình và người hâm mộ ca ngợi, nó đã được đưa vào bộ sưu tập Greatest Hits năm 2009 của ban nhạc, đồng thời trở thành một phiên bản thường xuyên của giai điệu trong các buổi biểu diễn trực tiếp. Không hiếm khi tác phẩm kinh điển đứng đầu bảng xếp hạng Billboard này tìm thấy vinh quang mới theo năm tháng. Nhưng bản trình bày nhanh như chớp của nó vẫn tiếp tục thu hút ngày càng nhiều người nghe nhờ bản chất giản lược, thô sơ và táo bạo trong âm thanh, có những cấp độ mà chỉ có nhạc acoustic mới có thể đạt tới.

29. Fade to Black của Metallica

Album: Ride the Lightning

Ngày phát hành: 30 tháng 9 năm 1984

Tập trung vào một bản nhạc êm dịu bao quanh giọng hát chính James Hetfield và tiếng đàn guitar acoustic buồn bã của anh, Fade to Black là một ca khúc tiên phong hiện được coi là bản ballad mạnh mẽ đầu tiên của thrash metal. Tuy nhiên, nét chấm phá của Hammett không hề bị bỏ qua, với những đoạn nhạc điện được phân lớp hoàn hảo, giai điệu nổi bật và là nhạc phẩm chủ đạo trực tiếp này bay bổng ngay từ đầu đến những đoạn chuyển mạnh mẽ dường như trôi đi khỏi phần mở đầu trong trẻo có phần tâm linh của nó. Không có gì ngạc nhiên khi Metallica vẫn giữ nguyên bản chất méo mó nặng nề sáu dây đàn tiêu chuẩn của họ, nhưng bản chất và cốt lõi của Fade to Black vẫn nằm ở phía acoustic.

Mặc dù không đạt được thành công về mặt thương mại hay sự hoan nghênh của giới phê bình khi ra mắt do thrash được coi là một thể loại phụ underground, giai điệu này đã tạo được tác động đến người hâm mộ và các nhà phê bình sau đó. Mang đến một nơi gặp gỡ hoàn hảo cho ballad và những đoạn solo bùng nổ, đặc điểm đặc trưng của ca khúc này đã đưa ra một tuyên bố về việc Metallica thực sự vô hạn như thế nào.

28. Iris của Goo Goo Dolls

Album: Dizzy Up The Girl

Ngày phát hành: 1 tháng 4 năm 1998

Một trong những ca khúc lãng mạn nổi tiếng nhất mọi thời đại, Iris của Goo Goo Dolls là ca khúc bạn có thể hát hết mình - bất kể hoàn cảnh nào, bất kể địa điểm nào, nếu bài hát này được phát, bạn rất có thể sẽ hát theo lời bài hát mang tính biểu tượng. Đóng gói âm thanh chậm rãi kết hợp tuyệt vời với giọng hát của John Rzeznik, tạo nên bản ballad mạnh mẽ hoàn hảo có thể khiến bạn rơi nước mắt. Với lời bài hát lãng mạn đến đau lòng như câu mở đầu chân thành, "Anh sẽ từ bỏ mãi mãi để chạm vào em", giai điệu nhẹ nhàng này chạm đến trái tim người nghe, chạm đến sự lãng mạn bên trong mỗi chúng ta.

Không nghi ngờ gì nữa, đây là ca khúc phổ biến nhất của ban nhạc và trở thành bài hát đặc trưng của họ, được gắn chặt vào các buổi biểu diễn của họ, bản thu âm đã trở thành một thành công về mặt thương mại, đạt vị trí thứ sáu tại Billboard 100 và xếp hạng ở vị trí thứ 50 tại UK Singles Charts. Được coi là một bài hát chia tay của mọi thời đại, Iris chắc chắn đã biến Goo Goo Dolls trở thành một ban nhạc khó quên, cung cấp một giai điệu mang đến một loại bầu bạn cô đơn cho những người nghe cuồng nhiệt của họ, vẫn là một tác phẩm có liên quan trong hơn hai mươi năm kể từ khi phát hành.

27. Fast Car của Tracy Chapman

Album: Tracy Chapman

Ngày phát hành: 6 tháng 4 năm 1988

Nhẹ nhàng, êm dịu nhưng không thể phủ nhận là phong cách, Fast Car của Tracy Chapman luôn hiện diện trong ngành công nghiệp âm nhạc. Dù là bản phối lại hay phiên bản Rock 'n' Roll, không có bản phối lại hay thay đổi nào có thể vượt qua được sự giản dị trong giọng hát mượt mà của Chapman trên nền âm thanh nhẹ nhàng của cây đàn guitar acoustic. Ca khúc đã trở thành một hiện tượng thương mại và phê bình ngay lập tức, đạt vị trí thứ 6 trên Billboard 100 và vị trí thứ 4 tại Bảng xếp hạng đĩa đơn của Vương quốc Anh. Một bản hit đình đám đã khẳng định sự nghiệp âm nhạc của nữ ca sĩ, giai điệu mang tính biểu tượng đã mang về cho cô ba giải Grammy, bao gồm Bản thu âm của năm và Nghệ sĩ mới xuất sắc nhất, thành công của cô tỏa sáng với album đầu tay mang tên chính mình.

Mặc dù được tranh luận, sự đồng thuận chung về ý nghĩa đằng sau lời bài hát Fast Car là câu chuyện về một người phụ nữ đang cố gắng tuyệt vọng để thoát khỏi cảnh nghèo đói, và với những lời lẽ như "Tôi có một kế hoạch để đưa chúng ta ra khỏi đây, tôi đã làm việc tại cửa hàng tiện lợi, cố gắng tiết kiệm một ít tiền" thật khó để nghĩ khác. Với lời bài hát có ý thức xã hội này, những từ ngữ kết hợp hoàn hảo với sự dễ dàng của Chapman và cây đàn guitar của cô, đóng vai trò là giai điệu quyến rũ, thư giãn đã trở thành một tác phẩm kinh điển dân gian ngay lập tức.

26. In The Aeroplane Over The Sea by Neutral Milk Hotel

Album: In The Aeroplane Over The Sea

Ngày phát hành: 10 tháng 2 năm 1998.

Một trong những viên ngọc indie được công nhận rộng rãi nhất, sức sống độc đáo và âm thanh của ca khúc thành công nhất của Neutral Milk Hotel, In The Aeroplane Over The Sea, đã trở thành tiêu chuẩn cho các ban nhạc và nghệ sĩ cùng thể loại. Đạt được vị trí là một trong những tác phẩm kinh điển vĩ đại nhất trong lịch sử âm nhạc, album cùng tên đã trở thành một thành công quan trọng khi bản tái bản Pitchfork đã cho album này 10/10, đạt được đà phát triển xứng đáng bảy năm sau khi phát hành. Mặc dù không bao giờ lọt vào bảng xếp hạng Billboard 200, bài hát và bản thu âm này thường được ca ngợi là một trong những tác phẩm vĩ đại nhất của thập niên chín mươi. Một giai điệu có thể được mô tả là điều xa vời nhất so với thông thường, bản nhạc acoustic thử nghiệm với đủ loại nhạc cụ kỳ lạ, mang đến cho bài hát chất lượng đặc biệt giúp nó tách biệt với phần còn lại.

Với lời bài hát dường như ám chỉ Anne Frank, với tư cách là ca sĩ/nhạc sĩ, Jeff Mangum đã đề cập đến tác động và ảnh hưởng của cuốn nhật ký của cô gái đau khổ đối với anh. Mặc dù vậy, toàn bộ nhiệm kỳ của anh tràn ngập hình ảnh siêu thực, khiến cho lời văn trở nên khó hiểu và hấp dẫn hơn. Một bài hát thực tế đã tạo ra thể loại riêng của nó, không thể phủ nhận năng lượng và âm thanh độc đáo của In The Aeroplane Over The Sea tuyệt vời.

25. Blackbird của The Beatles

Album: The Beatles, còn được gọi là White Album

Ngày phát hành: 22 tháng 11 năm 1968

Một danh sách các bài hát acoustic hàng đầu không thể hoàn thiện nếu thiếu Blackbird của The Beatles. Một ca khúc mang cảm giác như một bài hát ru nhẹ nhàng và mang đến sự che chở, giai điệu tinh tế và tiếng gảy đàn tao nhã, dễ lây lan của giai điệu này đã trở thành một trong những bài hát được công nhận và ca ngợi nhiều nhất của Beatles – và điều đó chắc chắn nói lên điều gì đó. Với cấu trúc đơn giản và lời văn mạnh mẽ, Blackbird đã trở thành bài hát được người hâm mộ và các nhà phê bình yêu thích, trở thành một trong những ca khúc được cover nhiều nhất trong lịch sử âm nhạc. Một giai điệu u sầu sâu sắc, bài hát đánh vào một hợp âm chưa từng thấy của sự huyền bí ngây thơ và sự phản đối dí dỏm, trong hầu hết người nghe bao gồm cả các nhà phê bình trong giai đoạn đỉnh cao này của sự nổi tiếng đối với The Beatles.

Với nguồn gốc vẫn còn khá mơ hồ, ý nghĩa đằng sau cách diễn đạt khó hiểu này đã nhận được rất nhiều cách diễn giải. Sau khi phát hành Blackbird, trong một cuộc phỏng vấn, ca sĩ, nhạc sĩ, huyền thoại Paul McCartney đã đề cập rằng ông cảm thấy được truyền cảm hứng từ tiếng gọi của một con chim đen. Tuy nhiên, trong sự biến động của các phong trào có ý thức xã hội, McCartney giải thích rằng con chim nên được hiểu là một cô gái da đen, bị phá vỡ bởi sự bất bình đẳng về quyền công dân ở miền Nam phân biệt chủng tộc. Cảm xúc, tượng trưng và an ủi, Blackbird sẽ mãi mãi là lời nhắc nhở về sự trường tồn mang tính biểu tượng của The Beatles.

24. Jane Says của Jane's Addiction

Album: Jane's Addiction

Ngày phát hành: 23 tháng 8 năm 1988.

Một bài hát vui tươi và sôi động của ban nhạc chủ yếu là grungy, Jane's Addiction, Jane Says lấp đầy bất kỳ căn phòng nào bằng một tâm hồn và niềm đam mê nhất định mà bạn không thể thoát khỏi. Sự thay đổi nhịp độ của ban nhạc mang lại cảm giác đồng hành mạnh mẽ, tạo nên ca khúc lý tưởng để bạn cùng bạn bè chơi nhạc. Với phần nhạc cụ đơn giản và thoải mái, Jane Says chơi cực kỳ êm dịu và chào đón, trái ngược với cảm giác nặng nề, dữ dội và Hard Rock thường thấy của họ. Mặc dù ca khúc này chắc chắn không đại diện cho âm thanh của Jane's Addiction, nhưng bài hát acoustic đã trở thành mục đầu tiên của ban nhạc trên các bảng xếp hạng, trở thành một phần chính trong các buổi biểu diễn trực tiếp của họ.

Với lời bài hát khá độc đáo, Jane Says theo chân nhân vật chính, một cô gái cực kỳ thông minh nhưng không thể thoát khỏi cơn nghiện của mình… heroin. Bạn thấy tham chiếu chứ? Rõ ràng là đề cập đến chủ đề cai nghiện và phụ thuộc, bài hát có vẻ lạc quan này lại trở nên u ám hơn vẻ bề ngoài của nó, tuy nhiên, nó chắc chắn không khiến chúng ta bớt nghiện giai điệu vui vẻ kỳ lạ này.

23. Good Riddance của Green Day

Album: Nimrod

Ngày phát hành: 17 tháng 10 năm 1997

Mặc dù thường được biết đến với âm thanh điện tử của họ, Green Day đã làm người hâm mộ ngạc nhiên theo thời gian với một số số pop-up acoustic nhất định. Đây là trường hợp của Good Riddance mang tính biểu tượng. Được phát hành vào năm 1997, bài hát nổi bật so với phần còn lại của album, vì năng lượng lửa trại của ca khúc đã chạm đến trái tim của khán giả trung thành của họ. Ban đầu không có ý định phát hành dưới dạng đĩa đơn, Good Riddance đã nhận được rất nhiều sự chú ý đến nỗi cuối cùng ban nhạc đã quyết định cho bài hát một cơ hội thích hợp để tỏa sáng. Không nghi ngờ gì nữa, một trong những bài hát phổ biến nhất của Green Day, bản hit năm 1997 đã đạt vị trí thứ 11 trên Bảng xếp hạng đĩa đơn của Anh và vị trí thứ 7 trên Bảng xếp hạng nhạc Rock chính thống của Billboard Hoa Kỳ, sau đó được chứng nhận Vàng.

Thành công về mặt thương mại và phê bình, giai điệu này được ca ngợi vì bản chất tình cảm và hoài niệm, đôi khi báo hiệu lời tạm biệt cay đắng và xúc động, như tiêu đề gợi ý. Sau đó, ca khúc này được chơi trong lễ tốt nghiệp trung học.

22. Be My Mistake của The 1975

Album: A Brief Inquiry Into Online Relationships.

Ngày phát hành: 30 tháng 11 năm 2018.

Một ca khúc chân thành, lột tả tâm hồn của những người mới đến, The 1975, cho khán giả biết rằng họ không chỉ là về thể loại new-age thử nghiệm, mà còn đưa nó trở lại với một bản ballad truyền thống, êm dịu, Be My Mistake. Chỉ được đệm bằng một cây đàn guitar acoustic, ca sĩ chính Matty Healy thì thầm theo cách của mình vào giọng hát nhẹ nhàng và nhịp độ nhẹ nhàng, gần như yên tĩnh của nhạc cụ. Mặc dù chắc chắn là một ca khúc nổi bật trong album chủ yếu là Electronic Pop, A Brief Inquiry Into Online Relationships, ban nhạc không né tránh bài hát cổ điển, u sầu, lãng mạn, thêm một nét độc đáo nhưng dễ bị tổn thương vào bản thu âm có nhịp độ nhanh của họ.

Một ca khúc về sự hối tiếc, Be My Mistake đào sâu vào những quyết định đáng ngờ mà một đối tác không chắc chắn đưa ra - cho đến khi nhận ra những gì họ thực sự có. Bài hát đầy cảm giác tội lỗi này khám phá tác động của những cuộc gặp gỡ vô nghĩa thường có khi đó không phải là người mà bạn thực sự mong muốn. Như chính Healy đã nói với Pitchfork trong một cuộc phỏng vấn, "Nó nói về khi bạn còn trẻ và đôi khi bạn phải đấu tranh để tìm ra điều mình thực sự muốn. Và đôi khi, giống như nhiều thứ khác, nó đòi hỏi bạn phải phạm sai lầm trước khi bạn thực sự hiểu được những gì mình có. Giai điệu nổi bật để chứng minh rằng những bản ballad rock acoustic thực sự vượt thời gian khi chúng mở ra con đường dẫn đến mối liên hệ mật thiết với nghệ sĩ.

21. A Horse With No Name by America

Album: America

Ngày phát hành: 26 tháng 12 năm 1976

Khi ba đứa nhóc Không quân Hoa Kỳ tụ họp tại Vương quốc Anh để kỷ niệm nguồn gốc Mỹ của mình thông qua âm nhạc, một điều tuyệt vời đã xảy ra. Với kỳ vọng thấp và kỹ thuật tinh tế hơn tâm hồn, họ đã thu âm tác phẩm này, một trong những tác phẩm Mỹ được ca ngợi nhất mọi thời đại, A Horse With No Name. Gặp nhau chỉ vì tình cờ và may mắn, Dan Peek, Gerry Beckel và Dewey Bunnell đã chịu ảnh hưởng lớn từ Epoque quan trọng của họ ở Anh cũng như các ban nhạc và nghệ sĩ Mỹ lớn nhất, sự giao thoa của những ảnh hưởng trong nhiều thời đại. Sử dụng sự hòa âm giọng hát nhiều lớp để làm sâu sắc thêm bản chất của bản hit bán chạy nhất này, tiếng gảy bổ sung 12 dây với nhịp ba khiến bạn cảm thấy mệt mỏi giữa sa mạc.

Mặc dù không được đưa vào album đầu tay cùng tên, A Horse With No Name đã trở thành một đĩa đơn gây tranh cãi vượt qua mọi giới hạn và đã đạt đến vị trí số 1 trên Billboard Hot 100, mặc dù bị cấm trên Đài phát thanh Hoa Kỳ vì bị cho là ám chỉ đến ma túy. America đã trở thành một trong những nghệ sĩ bán chạy nhất của thập niên 70 sau khi phát hành đĩa đơn chủ lực của Heartland này. Mặc dù nhận được sự chỉ trích về thành công thương mại và hào quang có vẻ như mang tính tâm linh trong cốt lõi độc đáo của nó, nó cũng đã trở thành một biểu tượng nhạc pop cho nhạc sa mạc và là một tính năng chính kể từ khi phát hành. Đây dễ dàng là một trong những bài hát nhạc rock acoustic hay nhất từ trước đến nay!

20. Piledriver Waltz của Alex Turner

Album: Submarine OST. Phát hành lại trong Suck It and See

Ngày phát hành: 14 tháng 2 năm 2011.

Được sáng tác và trình bày ban đầu cho bộ phim Anh năm 2010, Submarine, ca khúc cuối cùng, Piledriver Waltz, khiến người xem không muốn rời khỏi ghế khi phần giới thiệu diễn ra. Với chất lượng thanh thoát, bản ballad chậm rãi, dân gian này ngay lập tức bao trùm lấy người nghe, khi phần nhạc cụ an ủi và lời bài hát đau lòng, thấm đẫm văn hóa đại chúng lấp đầy đôi tai chú ý. Được sáng tác bởi Alex Turner, bài hát sau đó đã được làm mới trong nhiệm kỳ năm 2011 của ban nhạc anh, Suck it and See lần này với sự chậm trễ nhiều lớp và cảm giác tiên nữ. Với cảm giác cổ điển và quen thuộc, nhiệm kỳ này thường được ca ngợi là bài hát hay nhất trong nhạc phim cũng như là giai điệu nổi bật trong album thứ 4 của Arctic Monkeys.

Khi nói đến những gì ca khúc thể hiện, bản nhạc Piledriver tiêu đề mang đến một chữ ký u sầu nặng nề cho người nghe, ám chỉ đến cảm giác khi trái tim tan vỡ. Một giai điệu lãng mạn sâu sắc, Piledriver Waltz khiến bạn rùng mình với hình ảnh trữ tình khắc nghiệt, đắng cay, trong khi phần hòa âm acoustic và piano nhẹ nhàng làm dịu đi những cú đánh. Một biểu tượng của cảm xúc thuần khiết, Piledriver Waltz là một bản ballad nhẹ nhàng, sáng tạo khéo léo, tuyệt vời đã gắn kết hoàn hảo Submarine lại với nhau.

19. Losing My Religion của REM

Album: Out of Time

Ngày phát hành: 12 tháng 3 năm 1991

Một trong những ban nhạc tiêu biểu của thể loại nhạc alternative Mỹ, REM được coi là một trong những đề xuất tuyệt vời nhất, và đến năm 1991, họ đã trải qua những thăng trầm. Sau một năm đáng kinh ngạc của ban nhạc vào đầu thập kỷ, họ đã giới thiệu toàn bộ một quốc gia với album phòng thu thứ 7 của mình với một đoạn riff mandolin bùng nổ đã trở thành bản hit lớn hơn cả cuộc sống theo một cách khá bất ngờ. Nước Mỹ đã bị ngâm trong thuốc tẩy bởi làn sóng grunge lớn, và những nỗ lực học chơi mandolin của Peter Buck đã đưa anh đến với những gì cuối cùng sẽ trở thành Losing My Religion, một bản hit alternative và là bản hit lớn nhất trong năm chỉ sánh ngang với Smells Like Teen Spirit.

Với phần hòa âm guitar acoustic ở phần nền và phần dây đàn do Atlanta Symphony Orchestra cung cấp, đĩa đơn Out of Time này tạo nên một kiệt tác acoustic chứa đầy sự huyền bí trữ tình. Mặt khác, tựa đề của giai điệu, cũng như điệp khúc, dựa trên một cách diễn đạt của miền Nam, nói về tình yêu không được đáp lại, sự thất vọng và tức giận khi mất đi sự lịch sự, năng lượng rõ ràng trong giọng hát của Michael Stipe trong suốt ca khúc. Thông qua lượt phát sóng lớn trên cả MTV và VH1, ca khúc giành giải Grammy này đã đạt vị trí số 4 trên Billboard Hot 100, mở rộng sự nổi tiếng của họ vượt ra ngoài lượng người hâm mộ ban đầu, do đó đã xâm nhập vào dòng chính.

18. Pinball Wizard của The Who

Album: Tommy

Ngày phát hành: 7 tháng 3 năm 1969.

Gây hưng phấn và không thể tránh khỏi từ tiếng gảy đàn nhanh đầu tiên, Pinball Wizard của The Who là một kiệt tác vượt thời gian từ Rock Opera đắm chìm, sâu sắc về mặt tâm linh và độc đáo, Tommy. Bài hát theo chân nhân vật chính, Tommy, một cậu bé khiếm thính và khiếm thị bị sang chấn, có năng khiếu chơi Pinball không thể giải thích được, tham gia các cuộc thi và đánh bại mọi đối thủ mà cậu gặp phải, do đó có được cái tên Pinball Wizard. Một bài hát về mặt âm nhạc đánh vần Rock 'N' Roll ở khắp mọi nơi, cốt lõi của ca khúc vẫn chủ yếu là acoustic, một acoustic rất nồng nhiệt, vội vã và thậm chí thô ráp - nhưng dù sao thì vẫn là acoustic. Tuyệt vời, hấp dẫn và là một bài thánh ca của văn hóa nhạc pop, bản hit năm 1969 này vẫn là một trong những bài hát hay nhất từng được thu âm của The Who.

Mặc dù giai điệu này được coi là một "trò lừa đảo" dành cho Nik Cohn, người liên tục chỉ trích sự ảm đạm của vở opera, bài hát đã trở thành một bản hit đình đám, đạt vị trí thứ 19 tại Billboard 100 và thậm chí còn truyền cảm hứng cho một phiên bản của Elton John. Một ca khúc không giống bất kỳ ca khúc nào bạn từng nghe trước đây nếu bạn chưa nghe Pinball Wizard, hãy coi đây là gợi ý để bạn làm như vậy vì Tommy chắc chắn chơi pinball rất giỏi cho đến ngày nay. Theo tôi, đây chắc chắn là một trong những bài hát acoustic hay nhất mọi thời đại.

17. The Chain của Fleetwood Mac

Album: Rumours

Ngày phát hành: 4 tháng 2 năm 1977

Hấp dẫn, lôi cuốn sâu sắc và hấp dẫn toàn diện, The Chain của huyền thoại âm nhạc Fleetwood Mac, càng làm nổi bật thêm chất lượng mạnh mẽ, hấp dẫn mà ban nhạc được biết đến. Được lấp đầy bằng bộ gõ gần như của bộ lạc và một cây đàn guitar acoustic hoàn toàn phù hợp, ca khúc này chứa đầy những nhạc cụ tuyệt vời và giọng hát toàn năng của bộ đôi biểu tượng Lindsey Buckingham và Stevie Nicks. Một trong những giai điệu thành công và được ca ngợi nhất của họ, The Chain đã giành được sự hoan nghênh rộng rãi về mặt thương mại và phê bình, trở thành một chứng nhận Bạch kim 2x xứng đáng. Đóng gói một màn trình diễn không giống bất kỳ bài hát nào khác, chất lượng sống động của The Chain vẫn là điều cần thiết đối với khán giả của họ, trở thành một yếu tố chính trong các chương trình của họ. Với một kết thúc có thể khiến bạn phải câm lặng, ca khúc có xu hướng Dân ca này nhanh chóng trở thành một bài hát Rock 'N' Roll được chế tác một cách điêu luyện.

Với lời bài hát đầy cảm xúc, bài hát vẽ nên một mối quan hệ được gắn kết bởi sợi xích mang tên, một mối quan hệ dường như không thể phá vỡ. Bất kể bạn cố gắng thế nào hay tình yêu giữa cặp đôi này tan biến ra sao, The Chain vẫn tiếp tục nhắc nhở bạn rằng bạn sẽ không bao giờ phá vỡ nó. Một phần trung tâm trong cuộc sống của ban nhạc cho thấy The Chain vẫn tiếp tục vượt qua thử thách của thời gian, giữ vững vị trí là bài hát được người hâm mộ yêu thích nhất – một bài thánh ca của Fleetwood Mac.

16. Dust in The Wind by Kansas

Album: Point of No Return

Ngày phát hành: 16 tháng 1 năm 1978

Bắt đầu với một trong những đoạn intro acoustic mang tính biểu tượng nhất mọi thời đại, Dust in The Wind của Kansas là một bài thánh ca của thập niên 70 và chắc chắn là một viên ngọc khó quên. Với những chủ đề hiện sinh và tâm linh, giai điệu chậm rãi này là bản hit lớn nhất của ban nhạc, đạt vị trí thứ sáu tại Billboard 100. Với tiếng đàn guitar nhanh và đều, cùng giọng hát gần như cam chịu, ám ảnh của Steve Walsh, ca khúc vẫn giữ nguyên bản chất chậm rãi, giống như bản ballad, kết hợp năng lượng thơ ca mà toàn bộ bài hát truyền cảm hứng.

Như chúng tôi đã đề cập, Dust in The Wind đi sâu vào một số đoạn nhạc sâu sắc về tâm linh và hiện sinh, khi nhạc sĩ Kerry Livgren lấy cảm hứng từ một câu Kinh thánh và một bài thơ của người Mỹ bản địa, đi sâu hơn nữa vào tâm linh sâu sắc của ca khúc. Đưa ra những tuyên bố về những khoảnh khắc thoáng qua và sự tầm thường của sự tồn tại, quan điểm hư vô của bài hát không chỉ đóng vai trò là thức ăn cho suy nghĩ mà còn là người bạn đồng hành tuyệt vời trong âm nhạc khi cảm thấy buồn, khiến người nghe đắm chìm trong giai điệu chậm rãi, triết lý.

15. Going To California của Led Zeppelin

Album: Led Zeppelin IV

Ngày phát hành: 8 tháng 11 năm 1971

Với sự kết hợp của hai bản nhạc guitar từ Jimmy Page, một bản 6 dây và một bản 12 dây, cùng với phần chơi mandolin từ John Paul Jones, kiệt tác acoustic này được phát hành trong album thứ 4 của Led Zeppelin. Bài hát này không có trống, chỉ có đàn dây acoustic và Robert Plant dẫn đầu về giọng hát. Lời bài hát phản ánh sự háo hức muốn tiến lên, Plant là một người đàn ông háo hức muốn rời xa những người phụ nữ của mình, bỏ lại mọi thứ phía sau và bắt đầu một khởi đầu mới ở California.

14. Subterranean Homesick Blues của Bob Dylan

Album: Bringing it All Home

Ngày phát hành: 14 tháng 1, 1965

Sự tôn vinh siêu năng động của Bob Dylan dành cho thế hệ beat, khi ông lấy cảm hứng từ tiểu thuyết The Subterraneans của Jack Kerouac. Mang đến một cơn lốc trữ tình pha trộn chứng hoang tưởng có nhịp độ nhanh, giải quyết vấn đề sử dụng ma túy giải trí miễn phí tràn lan và tình trạng hỗn loạn ngày càng gia tăng do Chiến tranh Việt Nam và Phong trào Dân quyền gây ra vào năm 1965. Subterranean Homesick Blues là một trong những giai điệu quan trọng của Dylan, một trong những giai điệu đầu tiên bao gồm các bản phối guitar điện và báo hiệu sự khởi đầu của hiện tượng Rock N' Roll như một tiếng nói cho nền văn hóa phản kháng. Không cần phải nói, đĩa đơn có ảnh hưởng này đã được ghi nhận cho nhiều giải thưởng, trong số đó và gây tranh cãi nhất, là đây là đĩa đơn ăn khách đầu tiên có lời rap, do những cú đánh có thể nghe thấy nhanh của nó.

Được phát hành dưới dạng đĩa đơn, và sau đó được đưa vào nhiều album tổng hợp khác nhau, Subterranean Homesick Blues là bản hit Top 40 đầu tiên của Dylan tại Hoa Kỳ, đạt vị trí thứ 39 trên Billboard Hot 100 và vị trí thứ 9 trên Bảng xếp hạng đĩa đơn của Vương quốc Anh. Không cần phải nói, ngày nay nó được coi là một trong những bài hát hay nhất từng được viết trong thế kỷ 20, với Tạp chí Rolling Stone xếp hạng nó trong danh sách 500 bài hát hay nhất mọi thời đại. Với nhiều lần tái bản và bản cover từ nhiều nghệ sĩ, giai điệu được trân trọng trong văn hóa đại chúng này gói gọn văn hóa trong một tiến trình acoustic đơn giản, rò rỉ điện sắc nét và lời bài hát sắc sảo.

13. Angie của The Rolling Stones

Album: Goats Head Soup

Ngày phát hành: 20 tháng 8 năm 1973

Một trong những viên ngọc quý hiếm nhất, nổi bật nhất được viết gần như hoàn toàn bởi Keith Richards, bản ballad và lời than thở của Angie đã chứng minh một âm thanh bất ngờ từ những huyền thoại sống mà Rolling Stones là. Với những thay đổi hợp âm tối thiểu, giai điệu đơn giản này đã quyến rũ vô số người nghe trong khi chạm đến cốt lõi khi nó dường như bao trùm trong những giai điệu đẹp đẽ về sự kết thúc của các mối quan hệ. Angie đã đứng dậy từ album cha của mình là Goats Head Soup và trở thành một trong những tác phẩm acoustic nổi tiếng nhất của những năm 70, sớm trở thành một yếu tố chính trực tiếp của ban nhạc do lời bài hát đầy tâm hồn và sức hấp dẫn lôi cuốn của nó.

Là đĩa đơn chính, Angie ra mắt và đạt vị trí No.5 trên Billboard Hot 100, nhận được sự hoan nghênh của giới phê bình ngay từ khi phát hành, thường được ghi nhận là có một cảm giác huyền bí nhất định trong sáng tác nhạc và lời bài hát đơn giản của nó. Giai điệu này xuất hiện khi cơn lốc Rock N' Roll mà Stones từng là đang chậm lại, chứng minh ban nhạc này thực sự có khả năng gì khi đào sâu vào các yếu tố và thể loại thử nghiệm mới hơn vào bản chất của họ. Có vẻ như Angie đã cho thế giới thấy rằng những ví dụ điển hình hỗn loạn của ngôi sao nhạc rock này đã sẵn sàng ổn định, trong khi cân nhắc đến việc nghỉ hưu, hoặc ít nhất là vào năm 73. Ngày nay, giai điệu lãng mạn acoustic này chỉ là bằng chứng về sự năng động và tài năng âm nhạc của bộ đôi vượt thời gian, Richards và Jagger.

12. Knocking on Heaven’s Door by Bob Dylan

Album: Patt Garrett và Billy the Kid

Ngày phát hành: 13 tháng 7 năm 1973

Năm 1973, Bob Dylan được ca ngợi là anh hùng dân gian, tiếng nói của sự tiến bộ và là một trong những ca sĩ kiêm nhạc sĩ xuất sắc nhất mọi thời đại trong vòng một thập kỷ, chỉ để bị vô số người hâm mộ trung thành trước đây chỉ trích và gọi là "kẻ phản bội". Nhưng viên đá lăn bóng bẩy và ranh mãnh này chỉ mới bắt đầu và vẫn chưa chứng minh được rằng anh ta thực sự là người thợ của mọi nghề khi anh ta viết đĩa đơn này cho nhạc phim của Patt Garrett và Billy the Kid. Mặc dù Knocking on Heaven's Door không đạt được danh tiếng với bộ phim điện ảnh cha đẻ của nó, nhưng nó đã trở thành một giai điệu hit Top 10 ngay lập tức khi phát hành thương mại.

Sau đó được giới thiệu và cải biên thành nhiều album khác nhau, Knocking on Heaven's Door ngay lập tức trở thành một tác phẩm kinh điển, được ca ngợi vì lời bài hát khi đó được coi là bất kính, hình ảnh của nó rất rõ ràng và âm nhạc của nó là ánh sáng rực rỡ của sự giản dị tuyệt vời. Dylan truyền tải sự mệt mỏi và chấp nhận bằng một giai điệu biểu cảm được bổ sung một cách xuất sắc bởi Carol Hunter, Donna Weiss và Brenda Patterson để mang đến một giai điệu nhạc folk-rock ngọt ngào chắc chắn đã khiến các thiên thần phải khóc trong nhiều thập kỷ.

11. Lady Stardust của David Bowie

Album: The Rise and Fall of Ziggy Stardust

Ngày phát hành: 16 tháng 6 năm 1972

Một tác phẩm acoustic trung tâm ngay giữa album kiệt tác xa vời này của Bowie, khi anh ấy mô tả Lady Stardust mơ hồ giống người ngoài hành tinh, trong bài hát hit vượt thời gian này. Thoạt nhìn là phần giới thiệu quyến rũ về cô dâu của Ziggy đến với anh trên trái đất, nhưng đây là một giả định sai lầm chỉ chứng minh thêm thiên tài trữ tình của David Bowie. Với sự sắp xếp quyến rũ, tiếng đàn acoustic thoải mái, và những đoạn piano và hợp âm tập trung ở phía trước, năng lượng từ tính của Lady Stardust nam tính tôn vinh một nhân vật chủ đề lôi cuốn của album.

Đã có vô số cách diễn giải bài hát này, nhưng chính bầu không khí ban nhạc jazz hộp đêm đã thu hút vô số người hâm mộ trong suốt nhiều thập kỷ. Bất kể nó có vẻ trần tục đến mức nào; Lady Stardust chắc chắn là một trong những bản nhạc không gian khét tiếng nhất trong The Rise and Fall of Ziggy Stardust. Không thể phủ nhận sức mạnh hoặc sự sắc sảo của tác phẩm kinh điển năm 1971 này, phát sóng những nỗ lực cải trang sân khấu của riêng mình đã trở thành từ đồng nghĩa với các chương trình quyến rũ mang thương hiệu của Bowie.

10. Mrs. Robinson by Simon and Garfunkel

Album: Bookends

Ngày phát hành: 5 tháng 4 năm 1968.

Thường được ca ngợi là một trong những bài hát hay nhất mọi thời đại, bài hát mang tính biểu tượng Mrs. Robinson của Simon và Garfunkel là biểu tượng cho cả nhạc Rock và văn hóa nhạc pop. Với nhịp điệu mượt mà và tiếng đàn guitar cùng phần hòa âm giọng hát đặc trưng nổi bật, bài hát cuốn hút bạn ngay từ đầu, khiến bạn say mê bài hát Mrs. Robinson. Mặc dù nhận được nhiều sự công nhận nhất từ bộ phim kinh điển năm 1967, The Graduate, bài hát, ban đầu có tên là Mrs. Roosevelt, đã là một tác phẩm đang trong quá trình hoàn thiện trước khi có các cuộc đàm phán cấp phép nhạc của họ cho bộ phim nói trên. Ban đầu, họ lo lắng về việc viết và sáng tác các bài hát cho phim; cuối cùng, bộ đôi này đã đồng ý và cho các giám đốc điều hành và đạo diễn, Mike Nichols, thấy khởi đầu của giai điệu đáng chú ý này. Một thành công về mặt thương mại, bài hát đã trở thành ca khúc quảng cáo chính của bộ phim.

Đặt ra một tiêu chuẩn cho nhạc Rock, Mrs. Robinson đã trở thành bài hát đầu tiên giành giải Grammy cho Bản thu âm của năm trong thể loại này. Với sự thể hiện của Frank Sinatra, một huyền thoại âm nhạc, tầm quan trọng, tác động và sự vĩ đại của bài hát này chắc chắn là không thể bàn cãi. Được tất cả mọi người yêu mến, ngay cả khi bạn nói rằng bạn không thích Mrs. Robinson, thì bạn thực sự rất thích.

9. Layla của Eric Clapton

Album: Eric Clapton MTV Unplugged

Ngày phát hành: 25 tháng 8 năm 1992

Ngay từ những năm đầu sự nghiệp, Clapton đã được tôn vinh bằng những bức vẽ graffiti trên đường phố London như một vị thần guitar điện tiêu biểu vào khoảng năm 1966. Nhưng khi Clapton quyết định mang đến cho thế giới một bản trình diễn acoustic về tiết mục đồ sộ của mình vào năm 1992, cuối cùng ông đã củng cố vị thế của mình trên ngai vàng của Rock N' Roll. Với bản chất khiêm tốn trong màn trình diễn của mình, nhiều giai điệu đã thay thế bản gốc trong phòng thu của chúng, nhưng đáng chú ý nhất là phiên bản Layla của ông đã đánh dấu sự trở lại và thời kỳ hoàng kim cho cựu Yardbird này.

Clapton ghi nhận ban nhạc đã cho anh không gian để ứng biến trong buổi biểu diễn Berkshire, với bầu không khí tự nhiên và trôi chảy cho bài hát, bản trình bày acoustic này của Layla đã mang lại cho nó cảm giác "tái sinh" và theo nghệ sĩ guitar, đây là phần thỏa mãn nhất của buổi hòa nhạc. Layla đã trở thành ca khúc nổi bật trong album được chuyển thể sau này, nhờ vào giai điệu chậm rãi và cảm giác quyến rũ đã tạo nên nhịp điệu dễ lây lan cho phần còn lại của album và cả khán giả. Đạt vị trí số 12 trên Billboard Hot 100, Clapton đã mang đến cho sự thay thế thống trị của thập niên 90 một hương vị acoustic của nhạc rock cổ điển..

8. Heart of Gold by Neil Young

Album: Harvest

Ngày phát hành: Tháng 1 năm 1972

Neil Young đã đạt đến một vị thế thánh thiện vào thời điểm Harvest được phát hành vào năm 1972, tạo ra sự hợp tác với James Taylor và Linda Rondstadt cho kiệt tác nhạc rock dân gian này của một album. Nhưng Heart of Gold vẫn là trung tâm của nhiệm kỳ kể từ khi phát hành dưới dạng đĩa đơn. Cảm hứng đến với Young, do chấn thương lưng khiến anh không thể chơi guitar điện trong thời gian dài, vì vậy anh quyết định quay lại với cây đàn acoustic của mình. Heart of Gold là kết quả của ba bản nhạc acoustic khác nhau được kết hợp lại trong các buổi sáng tác đầu tiên cho Harvest và giọng hát và ca từ nhẹ nhàng, chân thành của nó đã khiến bài hát trở thành một tác phẩm khó có thể không yêu thích.

Bài hát này đã trở thành sản phẩm thu hoạch sự vĩ đại của Neil Young trong một thời gian dài, vì nó đã trở thành bài hát được nhắc đến nhiều nhất của ông, một bài thánh ca cho thập kỷ của nó, và là một trong những bản hit được yêu thích nhất và không thể tranh cãi của ông, một bài hát thậm chí khiến Bob Dylan cay đắng và ghen tị về nó. Nó ra mắt ở vị trí số 1 trên Billboard Hot 100, và không cần phải nói nhiều về các tài liệu tham khảo và đặc điểm văn hóa đại chúng của nó đã củng cố bài hát cho cả những thế hệ trẻ hơn, do đó biến ông Young thành một biểu tượng thực sự.

7. Tangerine của Led Zeppelin III

Album: Led Zeppelin 1970

Ngày phát hành: 5 tháng 10 năm 1970

Có nguồn gốc từ những năm Yardbirds của Jimmy Page, bài hát cuối cùng đã chứng kiến tác phẩm sáng tạo vào năm 1968, nhưng bầu không khí huyền bí của Tangerine đã mất một vài năm để phát triển, trải qua một số bản demo được ghi âm trước khi có phiên bản cuối cùng cho bản phát hành theo hướng nhạc rock-folk, acoustic, Led Zeppelin III. Được hoàn thiện trong thời gian nghỉ hưu của Page và Plant tại ngôi nhà gỗ huyền thoại của họ ở Bron-Yr-Aur, bài hát lấy cảm hứng từ xu hướng nhạc dân gian California trở về với quê hương và áp dụng vào nguồn gốc Anh của riêng họ. Với Jon Paul Jones hỗ trợ Page bằng đàn mandolin và phần intro thánh thiện cho các thời đại, giai điệu biến đổi thành điệp khúc nhạc rock cổ điển trước khi chuyển trở lại cấu trúc verse-solo đầy tâm hồn.

Tangerine đã trở thành một ca khúc nổi bật trong nhiệm kỳ thứ ba của ban nhạc, là một trong những bài hát hấp dẫn nhất trong tiết mục của Zeppelin, không cần phải nói, nó đã trở thành một bài hát chính thức và là bài hát được người hâm mộ yêu thích. Nhanh chóng leo lên vị trí số 1 trên Bảng xếp hạng bài hát album của Anh khi phát hành, có lời khen ngợi vượt thời gian cho giai điệu Celtic vốn có này. Với các nhà phê bình nhắc đến Tangerine: "bài hát cũng chỉ ra con đường đến tương lai ... phần mở đầu bằng guitar acoustic có thể dễ dàng được coi là một bản mẫu ban đầu cho 'Stairway to Heaven'".

6. The Man Who Sold the World by Nirvana

Album: MTV Unplugged

Ngày phát hành: 1 tháng 11 năm 1994

Một bản gốc khác của David Bowie, và bản cover, bản tái hiện The Man Who Sold the World của Nirvana, đã có một cuộc sống mới trong buổi biểu diễn MTV Unplugged năm 1994 của họ, một buổi biểu diễn thậm chí còn theo chân Bowie, người được cho là đã được khen ngợi vì "làm một bản cover Nirvana, bởi những kẻ khốn nạn nhỏ bé", ông giải thích. Trái ngược với giọng hát xa xăm của Bowie, sự mệt mỏi và cách truyền tải đầy tâm hồn của Cobain đã mang đến một sự suy tàn ám ảnh vượt qua phiên bản gốc của nó, với một tông màu tối đầy mê hoặc. Quan niệm phổ biến và thậm chí cả tác giả người Anh đã ca ngợi bản hit MTV Unplugged này là bản hit theo đúng ý định ban đầu của nó khi nó được viết lần đầu tiên.

Bầu không khí lạnh lẽo của đĩa đơn quảng cáo này sau đó không để lại đủ số phiếu để tranh luận, bên cạnh sự truyền tải chân thành, có một ý nghĩa mới sau khi Cobain qua đời. Đó là một người đàn ông với thế giới trong tầm tay đã quyết định trao tặng tất cả vì không biết điều gì. Trong thời gian Cobain qua đời, bài hát sau đó đã được phát sóng rộng rãi trên cả radio và MTV.

5. Patience của Guns N' Roses

Album: GNR' Lies

Ngày phát hành: 29 tháng 11 năm 1988

Khi phát hành album nửa acoustic GNR' Lies Guns N' Roses đã là từ đồng nghĩa với ma túy tình dục da thuộc của thập niên 80 và Rock N' Roll, nhưng nhiệm kỳ tiếp theo này đã đủ rõ ràng rằng những chú mèo đường phố LA này không chỉ là một ban nhạc ồn ào. Truyền tải một sở trường để cô đọng các thể loại khác nhau thành một tác phẩm nghệ thuật tuyệt vời, một nửa là năng lượng bắt nguồn từ punk và một nửa là các vấn đề âm thanh hài hước sắc sảo. Là một tác phẩm trung tâm và chống lại thử thách của thời gian, có Patience lần đầu tiên thế giới được nếm trải giọng hát trầm ngọt ngào của Axl Rose trong một chuyến đi nhẹ nhàng như tiếng vo ve, với tiếng guitar đơn giản nhưng điêu luyện của các thành viên còn lại trong ban nhạc khi bài hát đi qua các phần đặc biệt.

Mặc dù nhìn chung được chấp nhận là một bản ballad cho những mối quan hệ rắc rối, hoặc đơn giản là một phương thuốc chữa lành những giai đoạn khó khăn, nhưng không rõ bài hát có phải là về cuộc hôn nhân của Rose với Erin Everly hay mối tình lãng mạn trì trệ của tay guitar Izzy Stradlin. Tuy nhiên, theo tay bass Duff McKagan, thì người ta biết rằng Axl bất ngờ xuất hiện với những ca từ tuyệt vời và vì vậy ban nhạc đã tham gia. Với tác động thương mại lớn, bài hát đã ra mắt trên Billboard Hot 100 Top Ten và đạt vị trí thứ 4, thể hiện khía cạnh ngọt ngào hơn của "Ban nhạc nguy hiểm nhất thế giới". Hiện tại, nó được biết đến là một trong những bài hát rock hay nhất mọi thời đại và chắc chắn là một trong những giai điệu acoustic hay nhất hiện có, đến nỗi Chris Cornell đã thu âm một phiên bản cover chỉ được phát hành sau khi anh qua đời vào năm 2020.

4. Hotel California của The Eagles

Album: Hotel California

Ngày phát hành: 22 tháng 2 năm 1977

Một trong những giai điệu nhạc rock Mỹ ám ảnh, chứa đầy tham chiếu và kinh điển nhất trong lịch sử, Hotel California đã trở thành chủ đề của nhiều diễn giải trong suốt những năm qua nhờ vào lời bài hát đồ sộ và được viết một cách điêu luyện cùng với nhạc cụ acoustic hấp dẫn. Với phần mở đầu hai lớp 12 dây và 6 dây đủ mạnh mẽ để tạo ra hình ảnh món tráng miệng và một ốc đảo xa tít tắp, phần hòa âm nhạc cụ của bài hát, đặc biệt là phần tương tác guitar và phần coda, đã được vô số nhà phê bình coi là phần độc tấu guitar hay nhất. Đối với phần lời bài hát khó hiểu, Don Henley - người đã viết hầu hết các từ - đã nhiều lần tuyên bố mong muốn thể hiện bầu không khí tuyệt vời của món tráng miệng trong khi ám chỉ đến mối quan hệ có phần thiêng liêng và trần tục với con người.

Hotel California đã trở thành đĩa đơn thứ tư của ban nhạc này đứng đầu bảng xếp hạng Billboard Hot 100, và chỉ ba tháng sau khi phát hành, nó đã nhận được chứng nhận vàng và bạch kim trên toàn cầu. Theo Henley, đoạn hook quyến rũ đầu tiên trong bài hát đến từ "Twilight Zone like intro" mà anh chắc chắn sẽ thu hút cả khán giả và các nhà phê bình chỉ trong vài giây, và nó đã làm được, chỉ để trở thành một trong những bản phát hành đĩa đơn thành công nhất trong lịch sử nhạc rock.

3. Hurt của Johnny Cash

Album: American IV: The Man Comes Around

Ngày phát hành: 5 tháng 11 năm 2002

Bạn không thể nói về những bài hát rock acoustic hay nhất mọi thời đại mà không nhắc đến Johnny Cash. Không thể nghi ngờ động lực sáng tạo quan trọng của tác giả tài năng Trent Reznor, nhưng khi Johnny Cash trình bày phiên bản Hurt lớn hơn cuộc sống này, bài hát đã trở thành bản chất của biểu tượng âm nhạc sau này. Cash cũng giống như Reznor, sống theo tiêu chuẩn và ý tưởng rằng nghệ thuật có nghĩa là phải bị phá bỏ để tạo ra thứ gì đó mới mẻ và đẹp đẽ, một khái niệm cộng hưởng với bản trình bày đầy nước mắt này của ca khúc đen tối và đầy hoài nghi của Nine Inch Nails. Với giọng hát già nua và khói thuốc của mình làm phong phú thêm lời bài hát, mang đến sự lộng lẫy của một người đàn ông đã sống một cuộc đời trọn vẹn, với những chiến thắng, cũng như những điều tồi tệ nhất, Hurt của Johnny Cash đã trở thành một tác phẩm kinh điển của thế kỷ 21.

Thường được coi là bản cover acoustic hay nhất mọi thời đại, thật khó để thấy tuyên bố này đáng ngạc nhiên, chỉ với giọng hát và cách sắp xếp đơn giản, Cash đã đi vào một thế hệ cuồng vọng khác. Để khiến mọi thứ trở nên kỳ lạ hơn, Hurt là bản hit cuối cùng của Cash, được phát hành thành công ngay lập tức vài tháng trước khi anh qua đời. Ban đầu giành giải Bài hát Rock hay nhất năm 1996 và nhận được sự hoan nghênh của giới phê bình ngay lập tức, bản cover huyền thoại này cũng vậy, nhận được lời khen ngợi lớn từ người hâm mộ và các nhà phê bình, Reznor đã bình luận về phiên bản của Cash: "Bài hát đó không còn là của tôi nữa".

2. Babe I'm Gonna Leave You của Led Zeppelin

Album: Led Zeppelin

Ngày phát hành: 12 tháng 1 năm 1969

Phiên bản nổi tiếng nhất của bài hát Anne Bredon những năm 1950 này, khi Jimmy Page mong muốn diễn giải một âm thanh được dàn dựng và hung hăng hơn cho giai điệu kể từ những năm đầu làm nhạc công thu âm. Khi Led Zeppelin phát hành bản nhạc folk-hard rock tái hiện Babe I'm Gonna Leave You cho lần ra mắt năm 1969, bài hát đã trở thành một phần chính trực tiếp của ban nhạc trong khi gắn liền chặt chẽ với họ. Không giống như các bản nhạc khác trong album đầu tiên của Led Zeppelin, giai điệu này đã thoát khỏi phong cách pha trộn nhạc blues của họ và làm sáng tỏ kỹ năng độc đáo của họ trong việc kết nối cả nhạc dân gian Mỹ và Anh với những gợi ý về chủ nghĩa thần bí và những gì khi đó được gọi là nhạc heavy metal.

Cảm xúc và quyến rũ ngay từ giây đầu tiên, những hợp âm rải hoàn hảo của Page tạo nên sự bình lặng trước cơn bão, khi giọng hát thì thầm của Plant bắt đầu trước khi bùng nổ trong tiếng hét xé tan tâm hồn bất hủ của anh để đắm chìm trong màu sắc của thứ có vẻ giống như một bản ballad nhạc rock dân gian xám xịt. Khi những đỉnh cao dường như được kiểm soát bởi giọng hát của Plant, nhịp cầu bùng nổ và năng lượng của nó vào phần kết triệu tập một phần ban nhạc đầy đủ bùng nổ thành một bản hard rock thanh lọc không gì ngắn ngủi theo cách mà chỉ Zep hùng mạnh mới biết. Bản trình bày Babe I'm Gonna Leave You này đã củng cố sự hiện diện vốn đã cao của ban nhạc với tư cách là The Yardbirds, nhưng nó đã củng cố tên tuổi Led Zeppelin như một động lực thúc đẩy thay đổi tiến trình lịch sử Rock N' Roll với bản đầu tay của họ.

Phiên bản nổi tiếng nhất của bài hát Anne Bredon những năm 1950 này, khi Jimmy Page mong muốn diễn giải một âm thanh được dàn dựng và hung hăng hơn cho giai điệu kể từ những năm đầu làm nhạc công thu âm. Khi Led Zeppelin phát hành bản nhạc folk-hard rock tái hiện Babe I'm Gonna Leave You cho lần ra mắt năm 1969, bài hát đã trở thành một phần chính trực tiếp của ban nhạc trong khi gắn liền chặt chẽ với họ. Không giống như các bản nhạc khác trong album đầu tiên của Led Zeppelin, giai điệu này đã thoát khỏi phong cách pha trộn nhạc blues của họ và làm sáng tỏ kỹ năng độc đáo của họ trong việc kết nối cả nhạc dân gian Mỹ và Anh với những gợi ý về chủ nghĩa thần bí và những gì khi đó được gọi là nhạc heavy metal.

Cảm xúc và quyến rũ ngay từ giây đầu tiên, những hợp âm rải hoàn hảo của Page tạo nên sự bình lặng trước cơn bão, khi giọng hát thì thầm của Plant bắt đầu trước khi bùng nổ trong tiếng hét xé tan tâm hồn bất hủ của anh để đắm chìm trong màu sắc của thứ có vẻ giống như một bản ballad nhạc rock dân gian xám xịt. Khi những đỉnh cao dường như được kiểm soát bởi giọng hát của Plant, nhịp cầu bùng nổ và năng lượng của nó vào phần kết triệu tập một phần ban nhạc đầy đủ bùng nổ thành một bản hard rock thanh lọc không gì ngắn ngủi theo cách mà chỉ Zep hùng mạnh mới biết. Bản trình bày Babe I'm Gonna Leave You này đã củng cố sự hiện diện vốn đã cao của ban nhạc với tư cách là The Yardbirds, nhưng nó đã củng cố tên tuổi Led Zeppelin như một động lực thúc đẩy thay đổi tiến trình lịch sử Rock N' Roll với bản đầu tay của họ.

1. Wish You Were Here by Pink Floyd

Album: Wish You Were Here
Release Date: September 12th, 1975

Bản chất u sầu và hoài niệm, trong khi quyến rũ ngay từ tiến trình rung động đầu tiên, Wish You Were Here có lẽ là tác phẩm vĩ đại nhất của Pink Floyd và là bài thánh ca toàn cầu nhất trong tiết mục của họ. Chỉ với một mô hình thang âm đơn giản, tiếng khảy đàn nhẹ nhàng và cách sắp xếp piano nhẹ nhàng, giai điệu này tạo nên một trong những giai điệu cảm xúc nhất và được giới phê bình đánh giá cao nhất mọi thời đại. Vốn có trong bản chất thử nghiệm của Floyd, Gilmour đã sử dụng các chương trình phát thanh và thu âm 12 dây đàn acoustic để mang đến âm thanh đầy đủ hơn cho bản nhạc, đồng thời sử dụng giọng hát được thu âm thứ ba để có câu thơ cuối biểu cảm hơn.

Mặc dù không đạt được thành công thương mại cao và chỉ đạt No.68 trên Bảng xếp hạng đĩa đơn của Anh trong khi hoàn toàn bị bỏ qua ở Mỹ vào năm 1975, Wish You Were Here đã trở thành một bản hit đình đám ở một số khu vực trong vài năm trước khi đạt đến vị thế huyền thoại của nó. David Gilmour thường tuyên bố rằng anh không thể biểu diễn giai điệu này mà không nghĩ đến người bạn cùng nhóm quá cố Syd Barret, và điều này phù hợp với quan niệm phổ biến về ca khúc. Mặt khác, Roger Waters đã chia sẻ rằng giai điệu này chỉ nói về cuộc sống, dù theo cách nào, thì không có cách giải thích nào ngăn cản vô số người hâm mộ tự đưa ra suy nghĩ của riêng họ về chủ đề của bài hát, điều này tạo nên một tác phẩm nghệ thuật vượt thời gian. Đây dễ dàng là một trong những bài hát rock acoustic hay nhất mọi thời đại.